10 statements/ 10 afirmaciones sobre la coreografía por todas la inquietantes

Elaborado durante el taller noviembre 2009

ANABELLA PAREJA

1.    bailar con las preguntas y no con las respuestas
2.    la danza es el resultado del cuerpo en relación con el tiempo y el espacio
3.    primero el concepto, la forma aparecerá después
4.    el espectador tiene que realizar un rol activo
5.    pensar con el cuerpo
6.    hacer
7.    trabajar en la escena “somos obreros del cuerpo”
8.    vaciarse para llenarse y crear
9.    influirse de otras cosas
10.    menos es más

KARINA TERÁN

1.    El intérprete y el creador se redefinen por sus etapas, necesidades expresivas, circunstanciales y quizá no por sus talentos
2.    Cuerpo-movimiento como resultado de una inteligencia kinestécica
3.    Danza actual que rompa los convencionalismos de espacio donde ocurra lo escénico del lenguaje corporal, en lo discursivo…
4.    La acción escénica acompañada de reflexión, lectura, intercambio, debate
5.    Motivaciones en la danza, ser honesto y generoso
6.    No a la fórmula en la composición coreográfica

ALMA QUINTANA
10 aproximaciones a afirmaciones
1. soy, luego creo, luego soy
2. disfruta el estado que generan las preguntas
3. que el proceso conduzca a otros procesos
4. cada cuerpo contiene y recrea su historia
5. nunca dejes de resonar, reverberar
6. nunca reduzcas la coreografía a danza
7.  activa tus sentidos, llénate de experiencias, ejercita también el intelecto
8. nunca dejes de asombrarte

DIANA SÁNCHEZ

1.    La vida es una danza perpetua
2.    A través de mi cuerpo cada coreografía puede comunicar de infinitas maneras
3.    Cada coreografía me da la oportunidad de reconfigurar mi manera de estar en el mundo.
4.    Si mi trabajo es interesante para mi, si me apasiona, entonces debo compartirlo con los demás
5.    El quehacer artístico como la vía para expandir mi conciencia
6.    Sí al compartir conocimientos

ESTHEL VOGRIG

1.    Partir del cuerpo desde cero
2.    El cuerpo como una afirmación de verdad
3.    Una obra que no te genera nuevas preguntas es una obra fallida
4.    Creas espacios compartidos entre actor y público
5.    No someter la danza a otros lenguajes, a retóricas preestablecidas
6.    Jugar entre representación, presentación, irrepresentable
7.    Sí y no al cuestionarse sobre todo
8.    No al libertinaje
9.    La coreografía va más allá de lo que sucede en el escenario
10.  Lo coreográfico existe sin la danza

XIMENA MADRIGAL

1.    observar lo que acontece dentro y alrededor de uno mismo
2.    la forma de movernos tiene que ver con la cultura, grupo social al que perteneces
3.    escuchar ”eso“ que dice el otro
4.    confiar y desconfiar de tu propuesta escénica
5.    conocer más allá de la disciplina que manejamos

MAGDALENA LEITE

1.    Un trabajo no es sobre su autor no es sobre algo, ES ALGO
2.    Para crear no hay que tener a prioris
3.    Lo que se muestra es siempre  algo más que lo que se muestra
4.    La danza (el arte) es una excusa para hablar de algo que no se puede (poner en palabras, si se puede es mejor escribirlo)
5.    Decir todo es aburrido
6.    No hay que subestimar ni querer complacer al público
7.    En el fondo uno siempre sabe
8.    Para componer hay que estar atento y recordar hacia el futuro
9.    Observa y aprende de la gente, de todos
10.    Lo importante es saber que es un juego que no tendrá mayor trascendencia
11.    No a la pose y sí al compromiso
12.    No a los prejuicios
13.    No a la danza del despilfarro
14.    Sí a la reflexión, no a lo ligero

NAYELI BEHNUMEA

1.    No saber nunca que hacer. Saber siempre qué hacer. Estar perdido y orientado
2.    Generar “algo”. Hacer partícipe ”al espectador” de forma que se involucre
3.    Explorar, no ser inconforme, buscar posibilidades formas, caminos.
4.    Cuestionarse todo el tiempo. Analizar. Ser crítico de lo que veo y hago
5.    Apasionarse. Gozar lo que hacemos  Necesitar de lo que hacemos
6.    Relacionarse con la gente.ç
7.    Investigar y analizar. Preguntarse y cuestionarse todo el tiempo
8.    Vivir creando, bailar pensando y no conformarse y vivir con restricciones (Anabella).

NURIA FRAGOSO

1.    Calentar agua…
1ª. El agua hierve…
2.    Volúmen…
3.    Tomar asiento…
4.    Pluma y papel
5.    SILENCIO
5ª. Silencio…
6.    SILENCIO…
7.    Paz…
8.    Ahí encuentras…
9.    Un sorbo de té…
Sh…sh…sh…

ANGEL LARA

1.    somos el resultado de nuestras experiencias de vida, emocionales, intelectuales, corporales y espirituales y así nos expresamos
2.    Mi objetivo es comunicar, mientras más claro sea mejor
3.    El cuerpo no necesita hacer mucho para expresarse, sólo es el resultado de lo que pienso, se materializa en el cuerpo
4.    Lo que comunicamos debe ser lo más claro, que el otro se identifique con lo que hago.

4 Respuestas a “10 statements/ 10 afirmaciones sobre la coreografía por todas la inquietantes

  1. Algo que escribí y encuentro vinculado a lo que plantean, como statements propios para compartir:

    La estructuración de la obra puede no plantearse en una linealidad o continuidad temporal: las nociones de contigüidad, ensamblaje, desfasaje, yuxtaposición son modos de construcción y ordenamiento (considerando el tiempo como espaciamiento). Recuperando los conceptos de contigüidad y espaciamiento provenientes de JL Nancy: yuxta-posición y co-incidencia en tiempo/espacio; coexistencia como un estar-juntos al mismo tiempo en el mismo lugar unos con otros. Y sobre la circulación: de lugar en lugar y de instante en instante, sin progresión, sin trazado lineal, poco a poco y caso por caso, por esencia accidental.

    [1] No estoy interesada en crear órdenes matemáticos ni diseños, sino en encontrar principios de organización (dramaturgias, estructuras) autoorganizantes y dinámicos (como los que regulan el movimiento de las personas en ámbitos públicos abiertos, los de los movimientos sociales, la edificación en las villas, las redes): desarrollo de estructuras sin orden, objetivos o forma evidente pero con una sistematización basada en ciertos principios, predisposiciones, condiciones que propician determinado tipo de apariciones o emergencias.
    Es por tal motivo que propongo el concepto de dis-posición dancística o escénica a diferencia de una “composición coreográfica” (que históricamente y etimológicamente plantea más bien una mirada “desde arriba”, en planta, como Donna Haraway denomina el “ojo de dios”).

    También me remite a pensar en cuestiones que me estoy preguntando últimamente: durante el curso que dió Helena Katz en Buenos Aires hace un mes le pregunté por qué creía ella que la danza “legitimada” es cada vez más cientificista (en el sentido de que las construcciones-dramaturgias en danza contemporánea están tomando casi la estructura de una investigación científica convencional: con objetivos, hipótesis, objeto de estudio, focalización (recorte), especificidad: HABLAR CLARAMENTE y DE UNA SOLA COSA). Un modo de ordenamiento y de lectura muy programático y unidireccional.
    (lo cual deja por fuera obras que se hallan más cerca de cuestiones de percepción o experiencia perceptual como construcciones y no como “objetividades”).

    ¿ qué noción de orden, o sea qué ley, está “normando” las obras?
    La necesidad de un “orden”, que se deja expuesto, para que asegure un “sentido” y que deje asentado que el director es absolutamente “conciente” (y “objetivo”) al respecto de lo que su obra es, y que se trata de una sola cosa, de la cual se está absolutamente seguro y claro, y qeu el público entonces va a comprender y tener la certeza de que eso es lo que es y lo que entendió (la imposibilidad de la ficción, de la construcción; la convicción de que el “tiempo real” es ahora el tiempo de la danza (como si existiera un tiempo REAL, único o puro); – la imaginación o sensibilidad como un “defecto’ ya que no “aseguran”). Todo ésto es algo que me pre-ocupa actualmente como hacedora de danza.

  2. Hola Lucía,
    perdón por tardarnos tanto en publicar tu comentario…esas vacaciones!
    Me parecen muy interesantes los puntos que planteas,
    espero que sigamos en contacto
    gracias por compartir

  3. Luis

    Algunas de estas afirmaciones son un claro enfrentamiento a las teorías formalistas de Michael Fried y su larga sombra desde el performance de los años 60 hasta la actualidad. La crítica no acaba de legitimar un discurso representado a través de la danza, una práctica con un nivel de abstracción que escapa a la razón y al lenguaje y un planteamiento de la representación imposible de institucionalizar; tendremos que preguntarnos, ¿es realmente necesario o es la danza un paraíso? Todavía en el siglo XXI encontramos obras como la última de Marina Abramovic, “the artist is present”, que no hacen más que reforzar la deuda del arte con la pintura. Y encuentro en los objetos aleatorios (una cabeza de toro, botellas de plástico, arena, una sombrilla, mapas estadísticos) que David Palacios coloca en el museo, con la espectativa de la mirada disciplinada del visitante, una mirada irónica sometimiento formal, al rechazo de las representaciones pluriformes por parte de una tradición lineal del arte.

  4. yekita toledo

    En qué consiste el sistema tradicional, sistema sumatorio y sistema progresivo en las coreografias..!!!

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